Was haben auf den ersten Blick so divergierende Werke wie Schuberts Deutsche Tänze in einer Orchesterfassung von Anton Webern, Matthias Pintschers NUR für Klavier und Ensemble und Rachmaninows Dritte Sinfonie gemeinsam? Es handelt sich um Stücke, die in vielerlei Hinsicht zwischen verschiedenen Welten stehen – musikalischen, gedanklichen, geographischen – und dazwischen vermitteln: Tanz und Melancholie, Virtuosität und Kontemplation, Ost und West. Schuberts vermeintliche Ländlerseligkeit ist alles andere als oberflächlich; vielmehr gelingt es ihm, eine subtile zweite Ebene in das immergleiche metrische Gerüst einer Gebrauchsmusik einzuflechten. Pintscher erfüllt die Erwartungen an die traditionelle Konzertform mit Bravour und unterläuft sie doch zugleich, indem er aus dem Ensemble eine Monodie herauswachsen lässt, in der unter den Eruptionen von Klang und Bewegung eine innere Stimme zu Wort kommt. Rachmaninow nimmt den Faden seiner früheren Werke auf und spinnt ihn doch ganz anders weiter, zu einem sinfonischen Geflecht, das in seinem Anliegen, etwas von der alten Welt und Zeit zu retten, auch ein eigenwilliger Beitrag zu einer Musik des Exils ist.
 

Rachmaninows letzte Werke lassen den aufrichtigen Versuch einer stilistischen Neubewertung im Kontext einer Zeit erkennen, die ihn hinter sich ließ; und darüber hinaus zeigen diese Werke oft die Narben eines Kampfes: ein Tauziehen zwischen den musikalischen Ideen dieses und des letzten Jahrhunderts – mit dem Komponisten in der Mitte. (William Flanagan, Sergei Rachmaninoff: A Twentieth-Century Composer? Tempo Nr. 22/1951-52, S. 8.)

Als Sergej Rachmaninow im Jahr 1917 Russland verließ und ins Exil ging, aus dem er nie zurückkehren sollte, hatte er bereits ein Werk von beachtlichem Umfang vorgelegt: Von seinen insgesamt 45 Werken mit Opuszahl waren 39 bis zu diesem Zeitpunkt entstanden. Was folgte, war eine lange Phase, in der er, zunächst gezwungenermaßen, ein enormes Pensum an Konzerten als Pianist absolvierte und nahezu nicht mehr komponierte. Umso bemerkenswerter ist es, dass Rachmaninow in seinen letzten Lebensjahren noch einmal eine Reihe von großformatigen Werken schrieb, die stilistisch zwar an die Charakteristika anschließen, die seine Bekanntheit als Komponist begründet hatten – darunter nicht zuletzt jene unverwechselbare Melodik, die so großen Einfluss auf den typischen Klang der Hollywood-Filmmusik hatte – aber zugleich noch einmal neue Aspekte eröffnen. Die Dritte Sinfonie, entstanden in seiner Sommerresidenz Villa Senar in Luzern, ist vielleicht das eigenwilligste und rätselhafteste dieser Spätwerke.

Villa Senar in Luzern, Entstehungsort der Dritten Sinfonie. Rachmaninow nahm aktiv Anteil an der architektonischen Gestaltung – mag er als Komponist Romantiker geblieben sein, hatte er doch offensichtlich Sinn für die moderne Architektur seiner Zeit.

Sie wurde als Werk des Abschieds und der Nostalgie verstanden, bisweilen wurde ihr sogar Mangel an Einfällen unterstellt. Während die Erste Sinfonie bei der Uraufführung noch durchgefallen war, weil sie zu modern erschien, attestierte man nun der Dritten, dass Rachmaninow als Komponist nichts Neues mehr zu sagen habe.

Kurz notiert: Rachmaninow schrieb im Jahr 1938, seit er angefangen habe, die Personen zu zählen, die seine Dritte Sinfonie zu schätzen wüssten, habe er bisher – ihn selbst eingeschlossen! – nur drei Finger einer Hand gebraucht. Die beiden anderen Verfechter des Werkes waren ihm zufolge der britische Dirigent Henry Wood und der deutsche Geiger Adolf Busch.

Doch liegt eine zentrale Qualität des Werkes gerade in seiner Ambivalenz: Einerseits schwingt sich die Melodik immer wieder zu großem Ton auf, und charakteristische rhythmische Figuren treiben die Motive vor sich her. Andererseits klingt manches unerwartet trocken und eigenartig, aber damit auch treffender als der überbordende Schmelz früherer Werke. Auch die Formsprache ist unkonventioneller als die der meisten Werke Rachmaninows, die dem Sonaten- oder Sinfonietyp angehören. Das Stück hat zwar nur drei Sätze, diese sind aber in gewisser Weise alle janusköpfig angelegt. So tritt die klare Satzcharakteristik hinter einer Art von Bipolarität zurück, in der vorwärtsstrebende, teils fast gehetzt wirkende Gesten jederzeit in Melancholie umschlagen können und umgekehrt. Schon der Einstieg in den Kopfsatz mit seinem vorangestellten Mottothema treibt diese Spaltung auf die Spitze und setzt den Ton für das ganze Werk: So karg wie dieses Mottothema ist, so schroff die darauffolgende Geste, die zum Hauptthema führt. Ein verbindendes Element ist eine gewisse Herbe, die teils durch kirchentonale Wendungen, teils durch dissonante Kontrapunktik und andere Erweiterungen der tonalen Melodik und Harmonik bewirkt wird. Im zweiten Satz ergreift die Doppelgesichtigkeit die ganze Form. Rachmaninow verbindet die sinfonischen Mittelsatztypen miteinander, so dass der langsame Satz das Scherzo umrahmt. Das oft unterschätzte Finale ist eine Art Rondo, das in seiner Kombination aus bisweilen etwas angestrengt wirkender Frische und komplexer formaler Struktur an Gustav Mahler erinnert, dessen Gestik streckenweise jedoch auch eine gewisse geistige Verwandtschaft zu Strawinsky erahnen lässt. Der gelegentlich aufblühenden Streichermelodie, die in dieses neoklassizistisch wirkende Motivkarussell eingelegt ist, nimmt man daher ihre Schwelgerei nicht ganz ab.

Matthias Pintscher wurde zur Saison 2024/25 zum Musikdirektor des Kansas City Symphony Orchestra ernannt. Mit ihm stehen Konzerte mit der Musik Sergej Rachmaninows mit den Klaviersolisten Yefim Bronfman und George Li sowie die US-Premiere von Toshio Hosokawas Trompetenkonzert „Im Nebel“ auf dem Programm der diesjährigen Saison. Diese ist auch seine sechste als Creative Partner beim Cincinnati Symphony Orchestra. Kürzlich beendete er seine erfolgreiche zehnjährige Amtszeit als Musikdirektor des Ensemble Intercontemporain, des Pariser Ensembles für zeitgenössische Musik, das von Pierre Boulez gegründet wurde und 2022 mit dem Polar Prize ausgezeichnet wurde. Während seiner Amtszeit leitete Pintscher diese Institution bei Uraufführungen durch Komponisten aus aller Welt und führte das Ensemble auf Tourneen nach Asien, Nordamerika und ganz Europa zu allen bedeutenden Festivals und Konzertsälen. Zu den Höhepunkten dieser Saison zählen die Uraufführungen seiner neuen Oper „Das Kalte Herz“, die er an der Staatsoper Unter den Linden Berlin und später an der Opéra Comique in einer französischen Wiederaufnahme mit dem Titel „Nuit sans aube“ dirigieren wird. Zu den jüngsten Höhepunkten zählen Tourneen mit dem Kansas City Symphony Orchestra und dem Chamber Orchestra of Europe sowie Debüts beim Oslo Philharmonic Orchestra und dem Spanish National Orchestra. Auf der Opernbühne dirigierte er mehrere Produktionen für die Wiener Staatsoper und das Théâtre du Châtelet. Matthias Pintscher ist ebenso als Komponist hervorgetreten. 2023/24 war er Composer in Residence der Jungen Deutschen Philharmonie und stand im August 2021 im Mittelpunkt des Suntory Hall Summer Festival – einer einwöchigen Feier seiner Werke mit dem Tokyo Symphony Orchestra sowie einer Residenz des EIC. Sein drittes Violinkonzert, „Assonanza“, das er für Leila Josefowicz schrieb, wurde im Januar 2022 mit dem Cincinnati Symphony Orchestra uraufgeführt.

Matthias Pintscher ist seit 2014 Professor an der Juilliard School und wird von Boosey & Hawkes verlegt.

Tao tritt regelmäßig als Solist mit führenden Orchestern auf der ganzen Welt auf. In der Saison 2025/26 kehrt er zum Chicago Symphony Orchestra zurück und spielt Bartóks Klavierkonzert Nr. 3 mit Karina Canellakis. Anschließend präsentiert er Gershwin-Liedbearbeitungen neben Werken von Schönberg, Strayhorn, Schumann und anderen. Er gibt seine Debüts in der Berliner Philharmonie und der Hamburger Elbphilharmonie und kehrt zum Klavierfestival Ruhr, zur Celebrity Series Boston und zum Seattle Symphony Orchestra mit „Poetry and Fairy Tales“ zurück, einem Programm mit Werken von David Fulmer, Rebecca Saunders, Todd Moellenberg, Brahms und Ravel. Tao arbeitet erneut mit Robert Spano für Aufführungen von John Adams’ „Century Rolls“ (San Diego Symphony Orchestra) und Bernsteins „The Age of Anxiety“ (Atlanta Symphony Orchestra) zusammen. In Tokio führt er Mozarts Klavierkonzert Nr. 17 mit dem NHK Symphony Orchestra und Jaap van Zweden auf. Sein Cembalo-Debüt gibt er an der Princeton University mit Patricia Kopatchinskajas „Dies Irae“. 2024 tourte er anlässlich des 100-jährigen Jubiläums von „Rhapsody in Blue“ mit dem Kansas City Symphony Orchestra und Matthias Pintscher durch Europa. Tao führt weiterhin seine eigenen Werke auf, darunter „Flung Out“, eine Hommage an Gershwin, die er kürzlich beim Aspen Festival spielte. Sein Orchesterwerk „Everything Must Go“ wurde mit dem New York Philharmonic Orchestra und später in Europa mit dem Antwerp Symphony Orchestra uraufgeführt. Regelmäßig tritt er mit dem Junction Trio mit Stefan Jackiw und Jay Campbell auf. Weitere Projekte führten ihn mit der Sängerin Charmaine Lee, dem Künstler Avram Finkelstein, dem Choreografen Miguel Gutierrez und dem Blechbläserquartett The Westerlies zusammen. Conrad Tao kann auf zahlreiche Aufnahmen verweisen. Er wurde mit dem Avery Fisher Career Grant, dem Gilmore Young Artist Award und einem New York Dance and Performance „Bessie“ Award für seine Zusammenarbeit mit dem Tänzer Caleb Teicher bei „More Forever“ ausgezeichnet.

Was war da los? Unsere KHO-Musikerinnen und Musiker erzählen, wie es zu einem Schnappschuss vor dem Konzert kam – dieses Mal mit Geiger Petr Matěják und seinem Frack.