DERYA YILDIRIM  Bağlama und Gesang
Avi Avital  Mandoline
ENSEMBLE RESONANZ   

Das Programm

VOLKSLIED AUS DERSIM
„Bebek" (Baby), bearbeitet von Taner Akyol (*1977)

PIETRO LOCATELLI (1695 - 1764)
Sinfonia funebre f-Moll
Lamento: Largo
Alla breve ma moderato

ALI N. ASKIN (*1962)
„Şeker Loops" für Kaval, Bağlama, sechs Violinen und Perkussion

VOLKSLIED AUS DRAMA
„Drama Köprüsü" (Die Brücke von Drama), bearbeitet von Antonis Anissegos

TANER AKYOL
„Oy Nenem" (Oh, meine Großmutter)

ANTONIO VIVALDI (1678 - 1741)
Konzert g-Moll op. 8 Nr. 2 RV 315 („Der Sommer“ aus „Die vier Jahreszeiten“), für Mandoline und Streichorchester bearbeitet von Avi Avital
Allegro non molto
Adagio e piano – Presto e forte Presto
 

PAUSE
 

TANER AKYOL
„PHOENIX“ - Konzert für Bağlama, Mandoline, Percussion und Streichorchester (Berliner Erstaufführung)

OMER AVITAL (*1971)
„Lonely Girl"

TANER AKYOL
„Zere Mê"

AVI AVITAL (*1978)
„Avi’s Song"

Die Frage nach dem Ursprung musikalischer Sprache – und ihren facettenreichen Verzweigungen in unendlich verschiedene Musiktraditionen – führt immer wieder zurück zur Volksmusik. Wie feine Spuren ziehen sich verschüttete Klangerinnerungen durch die Musik aller Epochen. Mal treten sie klar hervor, mal erscheinen sie als kaum lesbare, verblasste Linien.

Dieses Programm begibt sich auf die Suche nach der gegenwärtigen Relevanz von Volksmusik: eine Spurensuche, die mal zarte, mal wuchtige Klänge anatolischer Volkslieder vor pulsierende Schläge einer Rahmentrommel stellt, die eine leise erzitternde Mandoline durchblitzen lässt, während sie die höchsten Wipfel in Vivaldis Sommer erklimmt – vor dem dichten Zwitschern der Vögel in einer imaginären Klanglandschaft. Volksmusik und ihre Sprachen sind dabei nicht nur musikalisches Material: Oft tragen sie eine eigene, poetische Erzählkraft, die Geschichten, Emotionen und Erinnerungen vermittelt.

„In der Barockmusik wie in allen Epochen klassischer westlicher Kunstmusik finden wir Einflüsse von Volksmusik. Aber wie klingt sie heute? Wie klingt ein anatolisches Volkslied heute in Berlin oder Hamburg? Welche aktuellen Prozesse nimmt so ein Lied in sich auf?“, solche Fragen stellt sich das Ensemble Resonanz im heutigen Programm.

Im Zentrum dieser musikalischen Reise durch unterschiedliche Stile, Traditionen und Epochen stehen zwei außergewöhnliche Solist:innen: Derya Yıldırım an der Bağlama, einem Saiteninstrument aus Anatolien, das in der türkischen Volksmusik beheimatet ist, und Avi Avital an der Mandoline, einem Instrument mit italienischen Wurzeln, das seit der Barockzeit als Soloinstrument und in Ensembles weltweit geschätzt wird. Beide Instrumente entstammen der Familie der Lauten – und doch sind sie durch ihre jeweiligen Traditionen unterschiedlich eingefärbt.

„Die Mandoline und die Bağlama ähneln sich im Kern sehr, doch wie bei einem Gemälde prägen Farbe und Kontext die Wirkung. Am Ende geht es aber immer um dasselbe Ziel: nämlich beim Hörenden etwas zu bewegen.“, so Avi Avital. Für ihn seien es vor allem die Kontraste zwischen Volksmusik und den klassischen Anteilen, die das Programm so besonders machen.

Auch Derya Yıldırım verbindet mit diesem Projekt eine persönliche Dimension: „Es wird für mich zu einer Art musikalischer Geschichte, bei der wir die Klangwelten beider Instrumente erkunden und auf Augenhöhe zusammenarbeiten. Besonders berührt es mich, die Bağlama – ein Instrument, das sonst kaum auf den großen Bühnen klassischer Konzerthäuser zu hören ist, aber für viele Menschen eine große kulturelle Bedeutung hat – in genau diesen Räumen wie der Elbphilharmonie oder dem Konzerthaus zum Klingen zu bringen.“

„Volksmusik ist keine Nostalgie. Sie ist Bewegung, Wandel, Ausdruck – ein Spiegel der Gesellschaft.“, so Derya Yıldırım über ihre musikalische Haltung. Gemeinsam mit dem Ensemble Resonanz verbindet sie eine enge musikalische Freundschaft und der unersättliche Antrieb, musikalische Grenzen auszuloten. Daraus entstand 2018 eine Zusammenarbeit für das Körber Resonanz Labor, das sich der Entwicklung transtraditioneller Konzertprojekte verschrieben hat. Die Idee zu »Derya's Songbook« war geboren: gefüllt mit Neukompositionen traditioneller Lieder aus Griechenland, Aserbaidschan und der Türkei, entstand ein Fundus, der eine Brücke zwischen musikalischem Kulturerbe und zeitgenössischer Komposition schlägt. Eine Auswahl dieser Lieder findet nun Eingang in das Programm – ergänzt durch weitere Stücke unterschiedlicher Traditionen sowie eine Neukomposition von Taner Akyol.

Taner Akyol, Komponist und Professor für Bağlama in Berlin, fasst diesen Gedanken so: „Es geht darum, einen Resonanzraum der Erinnerung zu schaffen, der uns miteinander verbindet – auch wenn wir die Sprache des anderen nicht verstehen.“

Der italienische Barockkomponist und Violinist Pietro Locatelli prägte die Entwicklung virtuoser Violintechniken. Sein Stil vereint eine reiche Palette an Klangfarben, einfallsreiche Instrumentierungen und erste formale Ansätze einer Sonatensatzform, die bereits einen Übergang vom Barock zur Klassik erahnen lässt.

Viel ist über den Hintergrund und die Entstehungsumstände dieser Sinfonie nicht überliefert, doch der langgezogene Orgelpunkt, über den sich klagend ein Akkordpendel quält, lässt keinen Zweifel an der Gefühlswelt des Komponisten und dem Stellenwert eines leise wimmernden inneren Narrativs, das den Tod einer unbekannten Frau betrauert.

Zum Basso Continuo, einer fortlaufenden Basslinie im Barockzeitalter, gesellt sich in dieser Sinfonie die Laute. Ähnlich wie auch ihre Verwandte, die Mandoline, hatte die Laute im Barockzeitalter ihre Blütezeit und wurde gerne als Teil des Basso Continuo genutzt, mit der Aufgabe, das harmonische Fundament zu unterstützen. Eine aufregende Klangwelt voller Kontraste entsteht: zwischen den Streichinstrumenten und dem durchdringenden, fast perkussiven Anzupfen der Lautensaiten.

Nach dem klagenden Lamento von Locatelli wandert das Thema Trauer und Verlust in eine andere musikalische Sprache: die anatolische Volksmusiktradition.

„Şeker Loops“ von Ali N. Askin vereint Minimal Music, türkische Volksmusik, südindische Rhythmen sowie Improvisation und macht dabei einen spannenden Dialog zwischen den Soloinstrumenten, Violinen und Percussion auf. Der Titel kombiniert das türkische Wort „Şeker“ („Zucker“, hier im Sinne von Süße oder Lieblichkeit) mit dem englischen „Loops“ („Schleifen“) – ein Hinweis auf die spielerischen, wiederkehrenden Motive des Stücks.

Das Stück ist virtuos und kulturell facettenreich – ein Kaleidoskop musikalischer Verzweigungen, das die rhythmische und melodische Vielfalt der beteiligten Traditionen eindrucksvoll sichtbar macht.

In dem türkischen Volkslied „Drama Köprüsü“ treffen traditionelles Liedgut und der Individualstil des Komponisten Antonis Anissegos aufeinander und verschmelzen zu einer Fusion unterschiedlicher Musikästhetiken und Klangfarben. Das Lied erzählt von Hasan, einem Volkshelden Anfang des 20. Jahrhunderts, der in den Bergen um Drama lebte und die Reichen bestahl. „Eine Art Robin Hood, der gegen die Osmanen kämpfte.“, so Derya Yıldırım.

„Oy Nenem“ ist Taner Akyols persönliche Hommage an seine 2001 in Berlin verstorbene Großmutter. Am Tag ihres Todes schrieb er einen Text über ihr Leben, der später von Can Dündar gesungen wurde. Für Akyol war es sein ganz persönlicher Prozess sich von seiner Großmutter, die in seinem Leben eine besondere Rolle gespielt hatte, zu verabschieden. „Ihr Leben führte sie von ihrer Heimat Dersim nach Bursa und schließlich nach Berlin – ein Weg voller Mühe, Entbehrung und Hingabe.“, so der Komponist.

Die Komposition eröffnet mit Derya Yıldırım auf der Bağlama und ihrer Stimme einen tief bewegenden Klangraum voller Emotionalität und erzählerischer Intensität. Yıldırım: „Die Bağlama trägt eine enorme Energie, die weltweit von Menschen unterschiedlichster Herkunft wahrgenommen wird. Auch wenn man die Sprache nicht versteht, spricht die Musik für sich.“

In der Bearbeitung für Streichensemble und Mandoline wartet dieses Violinkonzert, das auch als der „Sommer“ aus den vier Jahreszeiten bekannt ist, mit einer kontrastreichen Instrumentierung und einer Melodik voller überbordender Lebensfreude auf. Mit zwitschernden Vögeln und einem weich gezeichneten Naturbild, ist es ein Meilenstein der Musikgeschichte und Beispiel ganz früher Programmmusik.

Vivaldi fügte jedem dieser Konzerte kurze Sonette bei, die die Hitze, die Spannung vor dem Gewitter und den Sturm beschreiben. Sehr weit ist der Weg da zur Lyrik der anatolischen Volksmusik nicht mehr.

Avi Avital: „Ich spiele viel Musik, die eigentlich für die Geige geschrieben wurde. Wenn ich klassische Musik spiele, suche ich vor allem nach Stücken mit einer hohen Finesse und vielen verschiedenen Nuancen, die aber auch eine Konzerthalle mit dem, was die Mandoline klanglich leisten kann, ausfüllen.“

In seinem Auftragswerk spiegelt jedes Instrument seine eigene Klangpersönlichkeit wider. Das Streichorchester, die Mandoline, die Bağlama und das Schlagzeug agieren sowohl als individuelle Stimmen als auch Teil eines kollektiven Klangkörpers. „Manchmal treten sie für sich selbst hervor, manchmal verschmelzen sie mit dem Ganzen“, erklärt Akyol. Ihm gehe es darum, das Streben nach Neubeginn in musikalische Bewegung zu übersetzen: Fragmente entstehen aus der Stille, reiben sich aneinander, lösen sich auf und formieren sich neu. Die Grenzen zwischen den Instrumenten verwischen – Bağlama und Mandoline atmen wie zwei Stimmen derselben Erinnerung, die sich immer wieder annähern und entfernen.

Für Akyol hat die Musik stets auch eine politische Dimension. „Phoenix“ verwandelt das Unaussprechliche, Emotionale und die großen Spannungen der Zeit in Klang. Über den Untertitel „Konzert“ sagt er: „Für mich ist das „Konzert“ weniger eine Gattung als ein Raum. Mich interessiert nicht die traditionelle Form, sondern die Momente, in denen die Instrumente einander begegnen, sich befragen und gemeinsam atmen.“

Nach den erzählerischen Volksliedern erklingt das Instrumentalstück „Lonely Girl“: Avi Avital beschreibt es als „sehr intimes, intensiv melodiöses Stück. Es ist nicht improvisiert, auch nicht jazzig, einfach nur reine Melodie mit wunderbaren Harmonien“, so Avi Avital. Die Ballade schlägt mit Mandoline und harmonischen Nuancen eine Brücke zwischen Jazz, Weltmusik und Pop. „Lonely Girl“ entfaltet eine ruhige, emotionale Atmosphäre und bietet einen Moment der inneren Einkehr nach den tragischen Geschichten der Volkslieder.

„Türkü“, wie die Volkslieder der Aşıks genannt werden, entstehen seit Jahrhunderten. „Zere mê“ ist ein neuer Türkü aus der Feder von Taner Akyol. Auf Zaza, der Sprache von Akyols Vorfahren, bedeutet „Zere mê“ „mein Inneres“, oder auch „meine Liebe, mein Leben“. Inspiriert wurde Akyol dazu durch einen Film über einen Soldaten und seine Frau, die versuchen, nach Jahren im Exil in die Türkei zurückzukehren: „Doch sie kamen in einen Schneesturm, überall war es weiß, es war nichts mehr zu sehen“, erzählt Akyol.

Für die Bağlama komponiert er seit vielen Jahren, begleitet sich auch selbst als Sänger. „Das Instrument ist die Verlängerung meines Ichs, meines Innersten, meiner Seele. Sie ist ein heiliges Instrument, ein Familienmitglied. Wir beten sogar mit ihr, auch wenn ich seit Kindesbeinen Kommunist und Atheist bin.“ In seinen Kompositionen entwickelt Akyol die Spieltechniken der Langhalslaute weiter, von Vibrati über Verzierungen zu neuen Anschlagstechniken. Er schlägt sie, kratzt sie, versucht, neue Klänge aus ihr herauszuholen. „Ich gehe sehr frei mit ihr um, aber ich weiß auch, was ich nicht darf. Ihre Seele dürfen wir nicht anrühren.“

„Avi’s Song“ ist Avi Avitals erste eigene Komposition und stammt aus dem Album „Avital Meets Avital“ (2017), einem gemeinsamen Projekt mit dem Jazzbassisten Omer Avital – die beiden teilen nur den Nachnamen, sind aber nicht verwandt. Geprägt ist das Stück von einem charakteristischen 11/8-Rhythmus aus dem Balkan-Repertoire – einer rhythmischen Sprache, die Avital seit Langem begleitet und die er als zutiefst körperlich und natürlich empfindet.

Die Nähe der Mandoline zu den Zupfinstrumenten der Balkan- und osteuropäischen Musiktraditionen verleiht dem Stück eine besondere Selbstverständlichkeit. Die asymmetrischen Rhythmen dienen dabei nicht als folkloristisches Zitat, sondern als tragendes Fundament, auf dem sich Melodie, rhythmische Energie und stilistische Offenheit verbinden. So wird „Avi’s Song“ zu einem persönlichen musikalischen Statement – und zu einem offenen Ausklang des Programms, in dem sich unterschiedliche Traditionen selbstverständlich begegnen.