Den Abschluss des Abends unvollendeter, aber immer doch fast perfekter Anfänge bildet eine Suite aus Giacomo Puccinis Oper „Turandot“, arrangiert von Manfred Honeck und Tomáš Ille. „Turandot“ gehört heute sicher zu den bekanntesten Opern, ist aber Fragment geblieben – das verbindet sie mit Schuberts „Unvollendeter“. Wobei der Grund diesmal eindeutig ist: Puccini starb vor der Vollendung. 1920 beginnt er, sich mit dem Stoff zu beschäftigen, ab Frühjahr 1921 entsteht die Musik. Immer wieder will Puccini das Libretto überarbeitet wissen – dem Turandot-Stoff aus Tausendundeiner Nacht will er neue Seiten abgewinnen, erfindet in der Sklavin Liù sogar einen warmen, liebenden Widerpart für die legendär emotionslose, ihre Freier mordende Prinzessin.

Im Frühjahr 1924 ist das Werk fast fertig, lediglich das Schlussduett harrt seiner Schöpfung. Aber die Librettisten finden erst im Herbst Zeilen, die Puccini zusagen. Wenige Tage später gibt es aber auch an einer anderen Stelle Gewissheit: Der Halsschmerz, der Puccini seit Monaten quält, ist fortgeschrittener Kehlkopfkrebs. Der Komponist notiert noch, dass das Finale von einer schönen, ungewöhnlichen Melodie getragen sein sollte, allein: Er findet sie nicht mehr. Der Kuss der kalten Prinzessin entzieht sich der Kreativität des Todkranken. Im November 1924 stirbt er. Andeutungen, Skizzen bleiben, aus denen der Komponist Franco Alfano bald ein Finale bastelt, mit dem die Oper 1926 uraufgeführt wird.

Wie hätte Puccini die Oper beendet? Das ist die eine Frage. Die andere, ob seine unvollendete Oper nicht auch ein Anfang hätte sein können – für einen Altmeister, der sich ganz dem modernistischen Denken seiner Gegenwart öffnet. Puccini gilt heute vielen als Nachzügler des 19. Jahrhunderts, dabei schwankt er doch zwischen Mut und Gefälligkeit, als schöbe er die Entscheidung zwischen Publikumserfolg und kreativem Ehrgeiz immer wieder auf. Die Orchestrierung von „Turandot“ folgt nun stellenweise gar den zukunftsweisenden Spuren Strawinskys und den Dissonanzen der Musik des Futurismus, und mit ein wenig Fantasie kann man auch in der unmenschlich-menschlichen Prinzessin Turandot eine entfernte Verwandte der Roboterfrau des zeitgleich entstehenden Romans „Metropolis“ erkennen. So gesehen, wäre Turandot kein letztes Hurra des vergangenen Jahrhunderts der Oper, sondern vielleicht ein Anfang, der nicht fortgesetzt werden konnte. Und der auch in dieser instrumentalen Zusammenstellung mit einem „Nessun dorma“ ohne Heldentenor durchaus gut erkennbar ist.

Die wohl bekannteste Aufschiebe-Anekdote der Musikgeschichte ist übrigens Wolfgang Amadeus Mozart zugeschrieben. Der lässt sich 1787 wirklich sehr viel Zeit für die Ouvertüre seines „Don Giovanni“. Die Proben verstreichen, die Generalprobe verstreicht – ohne auch nur eine Skizze der Eröffnung. Am Abend vor der Uraufführung sieht sich Mozart dann doch gezwungen, zu liefern. Er bittet seine Frau Constanze, ihm Punsch zuzubereiten und ihn mit Geschichten durch die Nacht zu bringen, auf dass er nicht einschlafe. Vielleicht muss man Mozart sein, diese Konstellation als produktiv zu empfinden. Vielleicht sitzt aber auch ihm wirklich die Angst im Nacken. Jedenfalls füllen sich die Seiten. Um sieben in der Frühe kommt der Kopist. Abends spielt das Orchester vor vollem Haus, ohne vorherige Probe, die Tinte kaum trocken. Die Ouvertüre wird ein Triumph.

Also: Alles richtig gemacht? Was Prokrastination ist und was nicht, ist ohnehin nicht objektivierbar, eher Folge sozialer Erwartungen und Hierarchien. Dem Großkünstler, der nicht sein Meisterwerk zur Vollendung peitscht, sondern stattdessen die Küche putzt, wird sie auf jeden Fall unterstellt werden, dabei ist Putzen, weiß ja jeder, wichtige reproduktive Arbeit. Und wie steht es eigentlich, um den Bogen zu schlagen zum kommenden finalen Programm des Festivals, Haydns „Schöpfung“ – um den Gott der Bibel: Prokrastiniert der sich nicht eigentlich auch durch die Genesis, wenn er vom Kriechtiere-Machen fast zusammenklappt, ehe er sich doch noch an den Menschen, sein Ebenbild, wagt? Aller Anfang, das gilt für Künstler wie für Allmächtige, scheint wirklich schwer. Gut, dass viele ihn dann doch meistern – unabhängig davon, ob sie schlussendlich zum Ende finden.

Joana Mallwitz ist seit Beginn der Saison 2023/24 Chefdirigentin und künstlerische Leiterin des Konzerthausorchesters Berlin. Auf internationaler Bühne zählt sie spätestens seit ihrem umjubelten Debüt bei den Salzburger Festspielen 2020 mit Mozarts „Cosí fan tutte“ zu den herausragenden Dirigenten ihrer Generation. Große Erfolge feierte die Dirigentin auch an der Metropolitan Opera New York, der Bayerischen Staatsoper, der Semperoper Dresden, am Royal Opera House Covent Garden, der Oper Frankfurt und dem Königlichen Opernhaus Kopenhagen. Regelmäßig wird sie auch weltweit von den großen Orchestern eingeladen. In der Saison 2025/26 wird sie zu Beginn einer mehrjährigen Zusammenarbeit mit dem Mahler Chamber Orchestra die Osterfestspiele Baden-Baden mit einer Neuproduktion von Wagners „Lohengrin“ eröffnen. Zur Saisoneröffnung am Opernhaus Zürich kehrt sie mit einer Premiere von Richard Strauss‘ „Rosenkavalier“ zurück.

Joana Mallwitz ist Exklusivkünstlerin der Deutschen Grammophon. Für ihre CD „The Kurt Weill Album“ mit dem Konzerthausorchester Berlin wurde sie als Dirigentin des Jahres mit dem OPUS Klassik ausgezeichnet. In der aktuellen Saison stehen mit dem Konzerthausorchester neben vielen Abonnementkonzerten eine Aufnahme der „Schöpfung“ von Haydn und eine Tournee auf dem Programm, die unter anderem nach Hamburg, Linz und Köln führt.

Mit ihrem Antritt am Theater Erfurt 2014/15 war Joana Mallwitz die jüngste Generalmusikdirektorin in Europa. 2018 wechselte sie in gleicher Funktion ans Staatstheater Nürnberg. Dort brachte sie zahlreiche Produktionen, Konzerte und Formate zu großer überregionaler Aufmerksamkeit und wurde bereits nach der ersten gemeinsamen Saison 2019 in der Kritikerumfrage der „Opernwelt“ als „Dirigentin des Jahres“ ausgezeichnet. Die von ihr ins Leben gerufenen „Expeditionskonzerte“ sowie die Gründungen der Orchesterakademie in Erfurt und der Jungen Staatsphilharmonie in Nürnberg sind anhaltende Erfolgsgeschichten. Die Staatsphilharmonie Nürnberg ernannte Joana Mallwitz im April 2024 zur Ehrendirigentin.

In Hildesheim geboren, studierte Joana Mallwitz an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover. Sie ist Trägerin des Bayerischen Verfassungsordens. Für ihre langjährige Arbeit im Bereich Vermittlung klassischer Musik und Nachwuchsförderung wurde ihr 2023 das Bundesverdienstkreuz verliehen. Der im Frühjahr 2024 erschienene Dokumentarfilm „Joana Mallwitz – Momentum“ von Günter Atteln stieß bei Publikum und Medien auf großes Interesse.

Joana Mallwitz lebt mit ihrer Familie in Berlin.

Tabea Zimmermann zählt zu den bedeutendsten Bratschistinnen unserer Zeit. Als vielseitige Solistin, Kammermusikerin und Pädagogin prägt sie das internationale Musikleben – mit künstlerischer Integrität, geistiger Unabhängigkeit und einer tiefen inneren Überzeugung. Bereits mit elf Jahren debütierte die aus Südbaden stammende Musikerin in der Berliner Philharmonie. Nach Wettbewerbserfolgen in Genf, Paris und Budapest wurde sie mit nur 21 Jahren zur jüngsten Professorin Deutschlands berufen. Heute unterrichtet sie an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt und an der Kronberg Academy. Ein Schwerpunkt ihres Schaffens liegt auf der zeitgenössischen Musik. Zahlreiche Werke von György Ligeti, Wolfgang Rihm, Heinz Holliger, Enno Poppe und anderen wurden ihr gewidmet oder von ihr uraufgeführt. Dabei verbindet sie neue musikalische Ideen mit klassischer Interpretationstradition. Kammermusik ist ihr ebenso wichtig wie das Play & Lead-Prinzip: Als Leiterin aus der Mitte des Ensembles arbeitete sie u.a. mit dem Ensemble Resonanz, dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks und dem Bundesjugendorchester. Als Residenzkünstlerin war sie u.a. beim Royal Concertgebouw Orchestra, bei den Berliner Philharmonikern und beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks zu Gast. Auch mit dem Saint Paul Chamber Orchestra besteht eine enge künstlerische Partnerschaft. Zudem engagiert sie sich kulturpolitisch als Präsidentin der Hindemith-Stiftung, Vorsitzende der Ernst von Siemens Musikstiftung und mit ihrer eigenen David-Shallon-Stiftung. Für ihr Wirken wurde sie vielfach ausgezeichnet – unter anderem mit dem Bundesverdienstorden.

Wie hat das angefangen mit Dir und der Geige?

Musik hat immer eine große Rolle in meiner Familie gespielt, mein Vater ist Musiker. Ich habe viel klassische Musik gehört, im Chor gesungen, Ballettunterricht genommen – das hat mich alles sehr fasziniert. Zuerst bekam ich Klavierunterricht. Das Zimmer der Lehrerin war ganz weiß – die Schränke, der Flügel, der Teppich, alles. Das fand ich als Kind irgendwie unheimlich. Deshalb habe ich gesagt, da gehe ich nicht wieder hin. Ein Bekannter meiner Familie gab Geigenunterricht, also habe ich das probiert. Der Anfang war nicht leicht, aber ich bin dabeigeblieben.