Verbindet die beiden Zehnten von Erkki-Sven Tüür und Dmitri Schostakowitsch mehr als die Nummerierung des Werkes und der Gattungsname? Die Klangwelten beider Werke sind schon sehr verschieden. Dennoch: Beide eint vielleicht, dass ihre Musik – ohne dass es ein konkretes Programm gäbe – über sich hinausweist. Schostakowitschs Zehnte reflektiert eine dunkle, von Angst, Repression und Terror geprägte Epoche. Aber diese Erfahrungen sind umgeschmolzen in Klänge, die Menschen zu berühren vermögen, die vielleicht nichts vom Kontext des Werkes wissen. Und so erfüllt sie einen Anspruch, den Erkki-Sven Tüür folgendermaßen formulierte: „Musik muss alles haben – überwältigende Kraft, erhellendes Licht, unendliche Sanftheit und tiefste Dunkelheit. Wut, Schmerz, Trauer. Alles, was uns menschlich macht. Und die zarte Berührung der erlösenden Liebe.“

Eigentlich hätte die Uraufführung von Erkki-Sven Tüürs 10. Sinfonie am 1. April 2022 im Konzerthaus stattfinden sollen, musste damals aber pandemiebedingt abgesagt werden. Nunmehr wird die Aufführung des Werkes also nachgeholt. ÆRIS hat der estnische Komponist sein Werk benannt. Das lateinische Wort hat eine Doppelbedeutung: Es bezeichnet einerseits die Luft, zum anderen können damit auch metallische Legierungen gemeint sein. Beide Facetten sind bei der Instrumentengruppe der Blechblasinstrumente vereint, deren Klang in dieser Sinfonie in den Fokus rückt. Da gibt es zunächst das Hornquartett, das solistische Funktion hat. Es bleibt zunächst unsichtbar, ertönt aus der Ferne und durchwandert im Laufe des Werkes das Auditorium, um am Ende wieder in der Ferne zu entschwinden. Dazwischen entspinnt sich ein Dialog zwischen dem Quartett und dem Orchester, der in jedem der vier unmittelbar aneinander anschließenden Sätze des Werkes auf andere Art und Weise geführt wird und in dem wiederum insbesondere die Bläser prominent agieren. In seinem Werkkommentar sprach der Komponist davon, dass sich Motive im Wechselspiel von Solisten und Orchester wie „Memes“ verhielten. Der Begriff stammt ursprünglich aus der Evolutionsbiologie: Richard Dawkins prägte ihn in den 1970ern und meinte damit Ideen, die sich wie Gene „vererben“ – durch Nachahmung, Variation und Selektion. „Memes“ im musikalischen Kontext könnten als kleine, wiedererkennbare Einheiten oder Motive verstanden werden, die sich verbreiten, transformieren und weiterentwickeln, ähnlich wie es Internet-Memes in der digitalen Kultur tun. In ÆRIS passiert genau das: Ein Motiv, das etwa vom Hornquartett stammt, wird ins Orchester „eingeschleust“ und beginnt dort ein Eigenleben – es verbreitet sich, wird von anderen Instrumentengruppen aufgegriffen und in neuer Form fortgeführt. So entstehen Netzwerke von Verwandtschaften, die sich durch das ganze Werk hindurchziehen. Dabei fällt auf, dass die musikalischen Gestalten – wenigstens über weite Strecken – nicht sprachnah geformt sind, also nicht Themen im traditionellen Sinne ähneln, sondern gleichsam abstrakten Charakter haben: beispielsweise als Skalenbewegungen in die Höhe führen oder in die Tiefe sinken, zu kreisen beginnen, sich beschleunigen oder verlangsamen, sich zu Schwärmen vereinen oder Klanglawinen bilden und wie glitzernder Staub zergehen. Das verleiht der Musik einen gleichsam objektiven Zug: Man hört diese Klänge so, wie man Naturereignisse beobachtet.
Sucht man nach musikgeschichtlichen Bezugspunkten der Klangwelt von ÆRIS, könnte man an die dichten Klangnetze György Ligetis denken, an die Farbenpracht der Musik von Olivier Messiaen oder an das Pulsieren der Minimal Music, wie sie beispielsweise von John Adams oder Steve Reich hervorgebracht wurde.
Was aber hat es nun mit der merkwürdigen Wanderung der vier Hornisten auf sich? „Das Waldhornquartett kann als Bote betrachtet werden, der unumkehrbare Veränderungen prophezeit. Wird seine Botschaft verstanden werden? Wie wird die Reaktion sein und wie wird sie sich auf die Kommunikation auswirken? Woher kommen sie überhaupt? Was wollten sie uns sagen? Jeder Zuhörer möge sich mit diesen Fragen nach seinem sozialen Kompass und seiner Vorstellungskraft auseinandersetzen.“ (Erkki-Sven Tüür)
 

Das Konzerthausorchester Berlin spielt seit der Saison 2023/24 unter Leitung von Chefdirigentin Joana Mallwitz. Sie folgt damit Christoph Eschenbach, der diese Position ab 2019 vier Spielzeiten innehatte. Als Ehrendirigent ist Iván Fischer, Chefdirigent von 2012 bis 2018, dem Orchester weiterhin sehr verbunden.

1952 als Berliner Sinfonie-Orchester (BSO) gegründet, erfuhr das heutige Konzerthausorchester Berlin von 1960 bis 1977 unter Chefdirigent Kurt Sanderling seine entscheidende Profilierung und internationale Anerkennung. Seine eigene Spielstätte erhielt es 1984 mit Wiedereröffnung des restaurierten Schauspielhauses am Gendarmenmarkt. Zehn Jahre später wurde das BSO offizielles Hausorchester am nun umgetauften Konzerthaus Berlin und trägt seit 2006 dazu passend seinen heutigen Namen. Dort spielt es pro Saison mehr als 100 Konzerte. Außerdem ist es regelmäßig auf Tourneen und Festivals im In- und Ausland zu erleben. An der 2010 gegründeten Kurt-Sanderling-Akademie bilden die Musiker*innen hochbegabten Orchesternachwuchs aus.

 Einem breiten Publikum auf höchstem Niveau gespielte Musik nah zu bringen, ist dem Konzerthausorchester wesentliches Anliegen. Dafür engagieren sich die Musiker*innen etwa bei „Mittendrin“, wobei das Publikum im Konzert direkt neben Orchestermitgliedern sitzt, als Mitwirkende in Clipserien im Web wie dem mehrfach preisgekrönten #klangberlins oder in den Streams „Spielzeit“ auf der Webplattform „twitch“. Die Verbundenheit mit Berlin zeigt sich im vielfältigen pädagogischen und sozialen Engagement des Orchesters mit diversen Partnern in der Stadt.

Andris Poga ist Chefdirigent des Stavanger Symphony Orchestra. Von 2013 bis 2021 war er Musikdirektor des Lettischen Nationalen Symphonieorchesters (LNSO) und arbeitet mit ihm weiterhin als künstlerischer Berater zusammen. Zu den Höhepunkten der letzten Jahre zählten Konzerte mit den führenden Orchestern Deutschlands, Frankreichs, Italiens, Japans und Skandinaviens. Nach ersten erfolgreichen Kooperationen ist er regelmäßig Gast beim NDR Elbphilharmonie Orchester Hamburg, dem WDR Sinfonieorchester Köln, dem Deutschen Symphonie-Orchester Berlin, dem NHK Symphony Orchestra Tokio und vielen anderen. Er dirigierte außerdem das Tonhalle-Orchester Zürich, das Gewandhausorchester, die Accademia Nazionale di Santa Cecilia, das Royal Philharmonic Orchestra, das Hong Kong Philharmonic Orchestra, das Sydney Symphony Orchestra und das Dallas Symphony Orchestra. Die Saison 2024/25 umfasst die Abonnementkonzertreihe mit dem SSO und dem LNSO sowie Auftritte beim Orchestre National de France, dem WDR Sinfonieorchester, dem NDR Elbphilharmonie Orchester und den Hamburger Symphonikern. Andris Poga wird seine Debüts beim Isländischen Symphonieorchester, dem Turku Philharmonic Orchestra, den Düsseldorfer Symphonikern und anderen Orchestern in Europa und Japan geben. Zu den namhaften Solisten zählen die Instrumentalisten Frank Peter Zimmermann, David Fray, Jan Lisiecki und Jean-Guihen Queyras sowie die Sängerinnen und Sänger Julia Bullock, Miina-Liisa Värelä und Alfred Walker. 2010 gewann Andris Poga den Ersten Preis des Internationalen Jewgeni-Swetlanow-Dirigentenwettbewerbs, der ihm einen internationalen Durchbruch verschaffte. Er wurde Assistent von Paavo Järvi beim Orchestre de Paris und war außerdem Assistenzdirigent des Boston Symphony Orchestra. Andris ist Absolvent der Dirigierabteilung der Lettischen Jāzeps-Vītols-Musikakademie. Er studierte Philosophie an der Universität Lettlands und Dirigieren an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien.

Das Hornquartett hat sich durch seine individuellen Konzertformate und kreativen Programme einen internationalen Namen gemacht und gastiert regelmäßig auf allen deutschsprachigen Musikfestivals. Nach ihren Produktionen „Siegfried und Violetta“ (2013), ein dreiaktiges Opernfragment mit Musik von Giuseppe Verdi und Richard Wagner, „Pictures“ (2015) rund um Mussorgskys Bilder einer Ausstellung“ und „#hornlikes“ (2018), bei welchem auch das Publikum aktiv mit einbezogen wird, geht german hornsound im laufenden Jahr mit ihrem neuen Programm „Primetime in der Wolfsschlucht“ rund um Webers „Freischütz“ auf Tour. Projekte mit dem Vokalensemble amarcord sowie Tenor Daniel Behle runden ihre Vielseitigkeit ab.
Solistisch steht das Quartett regelmäßig mit renommierten Orchestern auf den großen internationalen Bühnen. So führten sie unter anderem mit den Bamberger Symphonikern, dem Tokyo Symphony Orchestra und der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen unter Michael Sanderling, Jonathan Nott und Paavo Järvi Schumanns berühmtes Konzertstück auf. Kompositionsaufträge wurden an Trygve Madsen (2013) und Erkki-Sven Tüür (2022) vergeben.
Neben der gemeinsamen Konzerttätigkeit legen die vier jungen Künstler einen besonderen Fokus auf die Nachwuchsförderung. Neben einigen Education-Projekten an der Philharmonie Luxemburg sowie der Elbphilharmonie Hamburg bieten sie mit ihrer neu gegründeten GHS Academy Kurse und Workshops an, welche sich an Schüler*innen, Jugend-musiziert-Ensembles, Studierende, Profis oder ambitionierte Hobbyhornisten richten. Zu Weihnachten 2021 haben Sie den ersten Band ihrer neuen Sammlung „the books“ – schöne und für alle Hornist*innen leicht zu spielende Hornquartette zu verschiedenen Anlässen – herausgebracht. Mittlerweile gibt es bereits fünf Bände.