Wir leben in einer Zeit, in der die transatlantischen Beziehungen in einer tiefen Krise stecken. Kaum ein Tag vergeht, ohne dass die US-amerikanische Trump-Regierung Europa auf politischer, wirtschaftlicher oder kultureller Ebene zum Feindbild erklärt. Einreiseregeln werden ideologisch verschärft und Zugänge ausländischer Studierender zu amerikanischen Universitäten erschwert.

Die Musik des heutigen Abends – drei der populärsten Orchesterwerke überhaupt – wären ohne den kulturellen Austausch zwischen den USA und Europa nicht entstanden. Allen drei Stücken gehen transatlantische Überfahrten ihrer Komponisten voraus. Die neuen Eindrücke von der anderen Seite des Atlantiks setzten sie produktiv mit der Musiksprache ihrer Heimat in Verbindung. Der Zeitraum von der Ankunft Dvořáks 1892 in New York bis zur Uraufführung von Ravels G-Dur-Klavierkonzert 1932 in Paris umfasst zugleich eine Periode, in der sich die USA auf dem Gebiet der Musik von einer bis dahin herrschenden europäischen Hegemonie lösten und eigene Wege gingen.

Knapp 300 Jahre zuvor kam europäische Kunstmusik zum ersten Mal nach Amerika – als Teil des kulturellen Gepäcks der Kolonisatoren. Entsprechend uneigenständig war diese Musikkultur dort lange. Die Berufung Dvořáks zum Direktor und Kompositionslehrer an das New Yorker Konservatorium Ende des 19. Jahrhunderts markiert den Beginn einer Wende. Der tschechische Nationalkomponist sollte einer neuen amerikanischen Komponistengeneration helfen, eine eigene amerikanische Musiksprache zu finden. Unabhängig davon entstand wenig später mit dem Jazz in den USA eine völlig neue pulsierende Musik, die schnell in umgekehrter Richtung nach Europa überschwappte. Erfunden wurde sie von den Afroamerikanern und verweist damit auf eine weitere, ganz andere transatlantische Verbindung: Die Verschleppung Schwarzer Menschen über die Sklavenrouten durch die Kolonialmächte. Der revolutionäre Jazz wurde zum Inbegriff einer amerikanischen Musikkultur. Er war existenziell für Gershwin, faszinierte und beeinflusste Komponisten wie Ravel und war der Ausgangspunkt einer neuen aus Amerika kommenden populären Musikkultur, die bis heute die Musikmärkte auf der ganzen Welt bestimmt.

Klassische Musik kam als Importware mit der europäischen Kolonisierung nach Amerika. Der so installierte Musikbetrieb blieb entsprechend lange abhängig von den europäischen Einflüssen und Entwicklungen. Mit der regelmäßigen Dampfschifffahrt ab Mitte des 19. Jahrhunderts nahm der transatlantische Austausch stetig zu. Veranstalter boten europäischen Musikern attraktive Amerika-Tourneen an. Zugleich wuchs bei den Amerikanern der Wunsch nach einer eigenständigen klassischen „Nationalmusik“ – ein Konzept, das ebenfalls aus Europa kam. Viele Komponistinnen und Komponisten begannen dort im 19. Jahrhundert bewusst eine Tonsprache zu suchen, die den Charakter ihrer Nation widerspiegelte, indem sie sich auf ihre Volkmusik bezog.

Doch wie sollte eine amerikanische „Nationalmusik“ aussehen? Ausgerechnet ein Europäer, der zuvor noch nie die Vereinigten Staaten betreten hatte, sollte diese Frage beantworten: der Tscheche Antonín Dvořák. Er galt neben Bedřich Smetana als prominenter Vertreter einer nationalen tschechischen Kompositionsschule und hatte sich dafür intensiv mit der Volksmusik seines Landes auseinandergesetzt. 1892 nahm er ein Angebot aus New York an und wurde Direktor und Kompositionslehrer am Nationalen Konservatorium für Musik. Gemeinsam mit seiner Frau und seinen zwei Kindern lief er 1892 im New Yorker Hafen ein. In der Carnegie Hall wurde er offiziell begrüßt: „Die Triumphe unseres Landes in der Musik liegen, wie die meisten unserer künstlerischen Triumphe, in der Zukunft. Hoffen wir, dass unser Gast heute Abend dazu beitragen kann, dem Kontinent, den Kolumbus entdeckt hat, eine neue Welt der Musik hinzuzufügen.“ Es ist wahrscheinlich, dass der Festredner der Begrüßungszeremonie nicht damit gerechnet hatte, dass Dvořák kurze Zeit später die Musik der indigenen und afroamerikanischen Menschen zur Quelle einer neuen amerikanischen Musik erklären würde – also ausgerechnet der Menschen, deren Vorfahren zu Opfern der kolonialen Besiedelung Amerikas seit Kolumbus geworden waren.

Dvořák (r.) mit seiner Familie, seinem Vertrauten Josef Jan Kovařík und der Haushälterin bei ihrer Ankunft in New York 1892

In New York angekommen machte sich Dvořák direkt an die Arbeit: „Die Amerikaner erwarten große Dinge von mir und als Hauptsache, dass ich ihnen den Weg in das gelobte Land einer neuen eigenständigen Kunst weise, kurz, ihnen helfe eine Nationalmusik zu schaffen! Wenn das angeblich kleine tschechische Volk solche Musik habe, warum sollten sie es nicht haben, wo doch Land und Volk so riesig sind!“ Seine Suche führte ihn zu den afroamerikanischen Spirituals, die er über den Schwarzen Kompositionsstudenten und Sänger Harry T. Burleigh kennen lernen durfte.

„Ich hatte das Privileg, [Dvořák] in seinem Haus wiederholt einige der alten Plantagenlieder vorzusingen, und eines davon, „Swing Low, sweet Chariot“, gefiel ihm besonders gut. Ein Teil dieses alten Spirituals findet sich im zweiten Thema des ersten Satzes der Sinfonie wieder, zuerst von den Flöten gespielt.“

Dass Dvořák in dieser Deutlichkeit melodisches Material in seine Sinfonie übernahm, war eine Ausnahme. Es ging ihm vor allem um den Charakter und die Nachbildung der rhythmischen und melodischen Eigenschaften dieser Musik. In ähnlicher Weise ließ sich Dvořák auch von Liedern der indigenen Bevölkerung inspirieren. Diese hatte er über Liedsammlungen und Shows mit indigenen Tänzen kennen gelernt.

„Ich studierte sorgfältig eine gewisse Zahl Indianischer Melodien, die mir ein Freund gab, und wurde gänzlich durchtränkt von ihren Eigenschaften – vielmehr ihrem Geiste. Diesen Geist habe ich in meiner neuen Sinfonie zu reproduzieren versucht, ohne die Melodien tatsächlich zu verwenden.“

Joana Mallwitz ist seit Beginn der Saison 2023/24 Chefdirigentin und künstlerische Leiterin des Konzerthausorchesters Berlin. Auf internationaler Bühne zählt sie spätestens seit ihrem umjubelten Debüt bei den Salzburger Festspielen 2020 mit Mozarts „Cosí fan tutte“ zu den herausragenden Dirigenten ihrer Generation. Große Erfolge feierte die Dirigentin auch an der Metropolitan Opera New York, der Bayerischen Staatsoper, der Semperoper Dresden, am Royal Opera House Covent Garden, der Oper Frankfurt und dem Königlichen Opernhaus Kopenhagen. Regelmäßig wird sie auch weltweit von den großen Orchestern eingeladen. In der Saison 2025/26 wird sie zu Beginn einer mehrjährigen Zusammenarbeit mit dem Mahler Chamber Orchestra die Osterfestspiele Baden-Baden mit einer Neuproduktion von Wagners „Lohengrin“ eröffnen. Zur Saisoneröffnung am Opernhaus Zürich kehrt sie mit einer Premiere von Richard Strauss‘ „Rosenkavalier“ zurück.

Joana Mallwitz ist Exklusivkünstlerin der Deutschen Grammophon. Für ihre CD „The Kurt Weill Album“ mit dem Konzerthausorchester Berlin wurde sie als Dirigentin des Jahres mit dem OPUS Klassik ausgezeichnet. In der aktuellen Saison stehen mit dem Konzerthausorchester neben vielen Abonnementkonzerten eine Aufnahme der „Schöpfung“ von Haydn und eine Tournee auf dem Programm, die unter anderem nach Hamburg, Linz und Köln führt.

Mit ihrem Antritt am Theater Erfurt 2014/15 war Joana Mallwitz die jüngste Generalmusikdirektorin in Europa. 2018 wechselte sie in gleicher Funktion ans Staatstheater Nürnberg. Dort brachte sie zahlreiche Produktionen, Konzerte und Formate zu großer überregionaler Aufmerksamkeit und wurde bereits nach der ersten gemeinsamen Saison 2019 in der Kritikerumfrage der „Opernwelt“ als „Dirigentin des Jahres“ ausgezeichnet. Die von ihr ins Leben gerufenen „Expeditionskonzerte“ sowie die Gründungen der Orchesterakademie in Erfurt und der Jungen Staatsphilharmonie in Nürnberg sind anhaltende Erfolgsgeschichten. Die Staatsphilharmonie Nürnberg ernannte Joana Mallwitz im April 2024 zur Ehrendirigentin.

In Hildesheim geboren, studierte Joana Mallwitz an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover. Sie ist Trägerin des Bayerischen Verfassungsordens. Für ihre langjährige Arbeit im Bereich Vermittlung klassischer Musik und Nachwuchsförderung wurde ihr 2023 das Bundesverdienstkreuz verliehen. Der im Frühjahr 2024 erschienene Dokumentarfilm „Joana Mallwitz – Momentum“ von Günter Atteln stieß bei Publikum und Medien auf großes Interesse.

Joana Mallwitz lebt mit ihrer Familie in Berlin.

Mit ihren visionären Projekten und weltweit erfolgreichen Alben ebenso wie bei ihrer Zusammenarbeit mit führenden Orchestern, Dirigentinnen und Dirigenten ist unsere neue Artist in Residence, Pianistin Alice Sara Ott, eine der fortschrittlichsten klassischen Musikerinnen. Seit über 15 Jahren ist sie Deutsche Grammophon-Künstlerin, ihre Aufnahmen wurden mehr als 500 Millionen Mal gestreamt. Auf bahnbrechenden Tourneen definiert sie klassische Musik neu für unsere Zeit, was sie zu einer der einflussreichsten Künstlerinnen ihrer Generation macht.

Zuletzt hat Alice Sara Ott mehrfach das von Bryce Dessner für sie geschriebene Klavierkonzert aufgeführt, ist mit dem London Symphony Orchestra und dem Sinfonieorchester des Bayerischen Rundfunks aufgetreten und hat mit New York Philharmonic, Baltimore Symphony, Pittsburgh Symphony und Minnesota Orchestra musiziert. Residencies führten sie zum TivoliVredenburg in Utrecht, ans Londoner Southbank Centre und nach Paris zu Radio France. Zwei neue Alben erscheinen dieses Jahr bei DG: „The Complete Nocturnes“ von John Field und Jóhann Jóhannssons stimmungsvolle Klavierwerke, die sie in Island aufgenommen hat.

What was going on there? Our KHO musicians tell us about a snapshot before a concert. This time: Violinist Avigail Bushakevitz and dressing room 043.