ZÜLFÜ LİVANELİ   Komponist & Sprecher
Martina Gedeck  Rezitation
Henning Schmiedt Musikalische Leitung & Klavier
Romy Camerun  Gesang
Özlem Bulut  Gesang
Burcu Karadağ  Ney
Volker Holly Schlott  Saxophon
Giacomo Tagliavia  Kontrabass
Uli Moritz  Perkussion

ZÜLFÜ LİVANELİ (*1946)
Rumi Suite
Liedtexte aus dem Persischen übersetzt von Aylin Livaneli und Muhammed Amin Seyfi Ala 

Als Intermezzi: Gedichte von Rumi, ausgewählt und rezitiert von Martina Gedeck

PAUSE

ZÜLFÜ LİVANELİ
Ausgewählte Lieder 

Liebes Publikum,

herzlich willkommen zum ersten Konzert unserer neuen Konzertreihe „Aşina“! Hier ist der Name Programm: „Aşina beschreibt dieses Gefühl, etwas wiederzuerkennen, ohne es wirklich zu kennen: ein Gefühl der Nähe, das keiner Erklärung bedarf“, fasst unsere Dramaturgin Filiz Oflazoğlu das Anliegen dieses neuen Angebots im Konzerthaus Berlin zusammen. Die musikalische Inspiration von Aşina ist der anatolische Kulturraum, wo sich seit Jahrtausenden unterschiedliche Sprachen, Religionen und Gemeinschaften gegenseitig geprägt und bereichert haben, in einem fortwährenden Wechselverhältnis von regionalen und überregionalen Einflüssen. Generationen von Aus- und Einwanderungsgeschichte haben Musikszenen in ganz Europa in diese lebendige Entwicklung einbezogen und den Raum noch vergrößert, aus dem Aşina schöpfen will.

So werden in der ersten Spielzeit ganz unterschiedliche Klänge zu hören sein. Derya Türkan etwa mit seinen Sounds of Mesopotamia, Erkan Oğur mit dem Sänger Ismail Hakki Demircioglu, das Voice of Istanbul Ensemble oder die Berliner Performance Künstler*in Anthony Hüseyin. Zum Start von Aşina gibt uns heute mit Zülfü Livaneli ein wahrhaft legendärer Künstler anatolischer Musikkultur die Ehre. Kürzlich erst feierte er seinen 80. Geburtstag, wir sind froh und stolz, Ihnen zum Auftakt unserer neuen Reihe die Deutschlandpremiere seiner überarbeiteten Rumi-Suite präsentieren zu dürfen!

Ihr Tobias Rempe Intendant

Manchen gilt er als Sufi-Mystiker, als „der Pol der Liebe“, anderen als Gelehrter und Theologe. Verehrungsvoll Mevlana, „unser Meister“, genannt, wird Dschalal ad-Din Muhammad Rumi (1207–1273) als der geistige Vater des Ordens der wirbelnden Derwische, des Mevlevi-Ordens, angesehen. Als Dichter schuf er einige der schönsten und leidenschaftlichsten Gedichte der Literaturgeschichte und zählt damit bis heute zu den weltweit meistgelesenen Autoren.

Aus Afghanistan stammend, lebte der persische Dichter größtenteils in Konya in der heutigen Türkei – damals die Hauptstadt des Sultanats der Rum-Seldschuken, das sich zeitweise über weite Teile Anatoliens erstreckte und politischen und kulturellen Einfluss bis nach Iran, Irak und Syrien ausübte. Unter seldschukischer Herrschaft war Anatolien als Rūm (Land der Römer) bekannt, geprägt von den historischen und kulturellen Spuren des Oströmischen Reiches. Der „Meister“, der sich vorwiegend unter dem Namen Mevlana, oder Maulana, einen Ruf in West- und Zentralasien erwarb, ging in die Geschichte Europas und Nordamerikas vor allem unter seinem Beinamen Rumi ein, was so viel wie „aus Rom stammend“ bzw. „der aus Rom Kommende“ bedeutet.

Rumi hinterließ ein reiches literarisches Erbe, das bis heute bewundert wird und auch mehr als 750 Jahre nach seinem Tod nichts an seiner Aktualität verloren hat. Dies liegt in seiner Fähigkeit, „Anker für diese und Kompass für die andere Welt“ zu sein, wie der Schweizer Sufi Peter Hüseyin Cunz es beschreibt. Er predigte Leidenschaft, Liebe und Frieden. Nach Rumis Lehre werden die Dinge durch ihre Gegensätze klar: Unterscheidungen wie Glaube und Unglaube, Gut und Böse sind aus unserer menschlichen Perspektive gegeben. Das Böse lässt sich nicht vom Guten trennen, denn ohne das Böse wäre es unmöglich, das Böse zu überwinden. Ebenso kann es ohne den Unglauben keinen Glauben geben. Der Schöpfer dieser Gegensätze ist derselbe und trotz dieser scheinbaren Trennung ist die Einheit des Seins das Wesentliche.

Die Befreiung von der Zweiheit und das Erreichen der wahren Einheit (Tauhīd) vollzieht sich für Rumi dadurch, dass der Mensch sich von seinem eigenen Ich und seinem individuellen Selbst löst. Damit verweist er auf das zentrale sufische Prinzip des „Stirb, bevor du stirbst“: die Überwindung des eigenen Ich bereits im diesseitigen Leben.

Liebe, die Raum und Zeit überwindet

Rumi zeichnete seine tiefe Ehrerbietung gegenüber allen Lebewesen aus. Diese Haltung steht eng mit der Liebe im Zusammenhang, die ein zentrales Thema in seiner Lehre ist und die er als eine der grundlegenden Kräfte des Universums verstand. Liebe war für Rumi nicht nur ein geistiges Prinzip, sondern eine Erfahrung, die sein eigenes Leben und seinen Weg zutiefst prägte. Entscheidend war dabei seine Begegnung mit dem Mystiker Schams-e Tabrizi, „der Sonne von Täbriz“. Schams war für Rumi weit mehr als ein geistiger Lehrer: Zwischen den beiden entstand eine tiefe Freundschaft, in der Rumi eine unmittelbare Erfahrung des Göttlichen erlebte. Schams lehrte ihn, die Welt und alle Wesen mit Liebe zu betrachten.

Als Schams zunächst für einige Zeit und schließlich für immer aus seinem Leben verschwand, wurde die Sehnsucht nach ihm zum Ausgangspunkt von Rumis eigener dichterischer und mystischer Erfahrung. Er erkannte, dass er Schams nicht wirklich verloren hatte: Was er durch seinen Freund erfahren hatte, war nun in ihm selbst lebendig. Aus dieser Erfahrung entstanden Tausende von Versen, die Rumi singend und tanzend zum Ausdruck brachte.

Auch den Tod verstand Rumi nicht als endgültige Trennung, sondern als Vereinigung mit dem Geliebten, mit Gott. Sein Todestag am 17. Dezember 1273 wird in der Mevlevi-Tradition daher als Şeb-i Arûs, die „Hochzeitsnacht“, bezeichnet.

Ney-Spieler

Rumi Suite – Gedächtnis und Gegenwart

Die Sehnsucht nach dem Ursprung, nach Verbundenheit und Überwindung von Trennung findet auch in der Musik des Mevlevi-Ordens ihren Ausdruck. Untrennbar mit dieser Tradition verbunden ist das Instrument Ney, eine Rohrflöte. Ihr Klang trägt eine zentrale Metapher aus Rumis Mesnevî in sich, seinem sechsbändigen Lehrgedicht mit mehr als 25.000 Versen in Doppelversform. Die Ney wird dabei zum Bild des Menschen: Wie das Schilfrohr, das von seinem Ursprung getrennt wurde und nun von dieser Trennung singt, verkörpert ihr klagender und zugleich atmender Klang die Sehnsucht des Menschen nach seinem Ursprung. So wird die Ney zum musikalischen Sinnbild von Trennung und Verbundenheit.

In Zülfü Livanelis Rumi Suite erhält die Ney eine überpersönliche, geradezu göttliche Qualität: Ihr Klang wirkt wie ein Ruf aus anderen Sphären, wie der Atem eines Ursprungs, von dem der Mensch getrennt ist. Ihr gegenüber steht das Ensemble, dessen Klang etwas Körperliches, Menschliches zukommt,  und an einen Herzschlag erinnernd, die den Atem der Ney aufnehmen und weitertragen.

Mit der Rumi Suite greift Livaneli auf etwas zurück, das längst Teil seines eigenen kulturellen Gedächtnisses geworden ist. Livaneli ist mit Rumis Werk nicht erst als Komponist in Berührung gekommen; seine Gedichte begleiteten ihn seit seiner Kindheit. Er wuchs in Konya auf, besuchte als Kind häufig das Mevlana-Museum und beschreibt seinen Vater als einen tief mit Mevlana verbundenen Menschen.

Lala Mustafa Pascha besucht das Grab Mevlanas in Konya. Unten wirbelnde Derwische und links davon ein Ney-Spieler. Illustration aus der Nuṣretnāme, dem „Buch des Sieges“ (1582)

Als Livaneli sich intensiv mit Rumis Gedichten beschäftigte, habe er sich eines Tages dabei ertappt, Melodien zu ihnen zu komponieren. Es sei keine bewusste Entscheidung, sondern ein von selbst laufender Prozess gewesen. Die ersten Stücke entstanden vor etwa zwanzig Jahren. Daraus entspann sich die Idee einer vollständigen Suite, die kontinuierlich und in unterschiedlichen Besetzungen weiterentwickelt wurde. Die Gedichte seien ihm so neu, frisch und gegenwärtig erschienen, so passend für das 21. Jahrhundert, als wären sie erst gestern geschrieben worden. Erst im Laufe dieses Prozesses wurde ihm bewusst, dass sich ihre Gegenwärtigkeit auch in der musikalischen Sprache der Suite widerspiegelte: Anders als es sein sonstiges Schaffen vielleicht erwarten ließe, entstand sie in einem von Jazz-Fusion geprägten Stil. In ihr überlagern sich damit verschiedene Zeitschichten: die persische Dichtung des 13. Jahrhunderts, die musikalischen Traditionen Anatoliens und eine zeitgenössische, international geprägte Musiksprache. Für Livaneli ist diese Verbindung mehr als eine stilistische Kombination. „Ich liebe den Austausch zwischen den Kulturen. Ich bin ein Kosmopolit“, sagte er 2014 im Gespräch mit der New York Times. Auch die Zusammenarbeit mit dem Pianisten und Komponisten Henning Schmiedt prägte den weiteren Weg der Suite: Bei der Entstehung der Rumi Suite war er von Beginn an sein musikalischer Partner; Komposition und Arrangement gingen dabei Hand in Hand. Über die Jahre entstand die Suite in verschiedenen Fassungen und mit unterschiedlichen Solist*innen. 2025 wurde sie schließlich unter seiner musikalischen Leitung beim türkischen Label CEVLAN und mit dem One Sound Ensemble beim New Yorker Label Drom als Album veröffentlicht.

Livaneli mit Theodorakis

Zülfü Livaneli – Musik zwischen Widerstand und Verständigung

Für Livaneli war die humanistische und universelle Dimension im Denken Rumis weitaus prägender als seine religiösen Lehren. Als geistiger Bezugspunkt zieht sie sich durch sein Leben und Wirken. In Livanelis von Exil und politischer Repression geprägtem Leben blieben Frieden und Menschenrechte sein Kompass: „Wo immer ich jemand Leidendes sehe, schreibe ich ein Lied. Ich engagiere mich nicht für eine bestimmte Bewegung. Wenn ich irgendwo Ungerechtigkeit sehe, schreibe ich darüber.“ 1986 gehörte Livaneli zu den Gründern des Issyk-Kul-Forums, das auf Initiative von Michail Gorbatschow und dem Schriftsteller Tschingis Aitmatow ins Leben gerufen wurde. In Anerkennung seiner kulturellen und politischen Aktivitäten sowie seiner Verdienste um den Weltfrieden ernannte ihn die UNESCO 1996 zum UN-Goodwill-Botschafter. 2016 legte er das Amt aus Protest gegen das Schweigen der Organisation zur Zerstörung historischer Stätten in der Türkei nieder. Außerdem war er eine Legislaturperiode lang Abgeordneter im türkischen Parlament und Mitglied der Parlamentarischen Versammlung des Europarats. Allein seine zahlreichen Papiere – von einem gefälschten Pass als Geflüchteter bis zum diplomatischen Ausweis als UNESCO-Sonderbotschafter – erzählen von einem Leben zwischen Widerstand, Engagement und Vermittlung: „Manchmal bin ich ein Verbrecher, manchmal ein Diplomat. Aber ich bin immer dieselbe Person.“

Dass Livaneli Poesie und Musik so selbstverständlich miteinander verbindet, hat auch mit seiner eigenen Biografie als Schriftsteller und Musiker zu tun. „Ich hatte nie vor, Musiker zu werden. Ich war Schriftsteller“, sagt er rückblickend. Zum Musiker wurde er gewissermaßen ungeplant: Nach seiner Inhaftierung infolge des Militärputsches von 1971 begann er, Lieder zum Gedenken an verstorbene Freunde zu schreiben. Sein erstes, in Schweden aufgenommenes Album wurde in der Türkei verboten und fand gerade dadurch seinen Weg in die Untergrundbewegung. „Die Studenten marschieren zu deinen Liedern“, informierte sein Bruder den ahnungslosen Livaneli über deren enorme Wirkung.

Diese gelassen wirkende Verbindung von Schreiben, Singen und Komponieren erinnert an eine Tradition, die Livaneli in der anatolischen Kultur besonders fasziniert: die des wandernden Dichters und Sängers, dem Aşık. Sie reicht in ihren Ursprüngen bis zu Homer zurück und brachte über die Jahrhunderte so prägende Namen wie Rumi, Yunus Emre, Pir Sultan Abdal und Karacaoğlan hervor. In einer vor allem mündlich geprägten Kultur trugen die Aşıklar Gedichte, Melodien und Geschichten von Ort zu Ort und von Generation zu Generation. Diese Form der Überlieferung ist auch für Livanelis Verständnis der musikalischen Tradition Anatoliens zentral. Aus dieser Perspektive versteht Livaneli die Musik Anatoliens nicht als eine Sammlung klar voneinander getrennter Traditionen, sondern als das Ergebnis Jahrhunderte andauernder Begegnungen und Weiterentwicklungen. Als Ausgangspunkt seiner eigenen kompositorischen Arbeit wählte er deshalb die Musik der Aşıklar. Ihre musikalischen Strukturen, die vor allem auf Pentatonik beruhen, bilden für ihn eine Grundlage, aus der sich neue Verbindungen von Mehrstimmigkeit, Orchesterklang und zeitgenössischen musikalischen Formen entwickeln lassen.

Seine Fähigkeit, poetische Texte in Musik zu überführen, zeigt sich auch in seinem umfangreichen Liedschaffen. Mit rund 300 Kompositionen, mehr als 30 Alben und zahlreichen Filmmusiken gehört Livaneli zu den prägenden Komponisten der modernen türkischen Musik. Seine Lieder wurden von Künstler*innen wie Mikis Theodorakis, Maria Farantouri, Jocelyn B. Smith, George Dalaras und Joan Baez interpretiert und in zahlreiche Sprachen übertragen. Mit Farantouri verband ihn eine langjährige künstlerische Zusammenarbeit, die sie auch auf internationale Bühnen führte: Gemeinsam traten sie unter anderem in Deutschland, Frankreich, Griechenland und den USA auf. Im Jahr 2000 sangen sie unter der Leitung von Zubin Mehta bei der UNESCO-Millenniumsfeier in Paris.

In der Türkei gehören seine Lieder inzwischen zum kollektiven kulturellen und politischen Gedächtnis. Viele sind heute Klassiker, die noch immer gesungen und an die Nachkommenden weitergegeben werden. In ihnen hallen die Stimmen der Aşıklar nach sowie die Sehnsucht nach Freiheit, Frieden und gesellschaftlichem Miteinander.

Henning Schmiedt lebt und arbeitet in Berlin. Als Pianist, Komponist und Arrangeur bewegt er sich seit vielen Jahren zwischen Jazz, Weltmusik, zeitgenössischer und neoklassischer Musik. Zu seinen langjährigen musikalischen Partnern gehören unter anderem Zülfü Livaneli, Mikis Theodorakis, und Maria Farantouri. Seine kompositorische Arbeit umfasst ein breites Spektrum. Schmiedt schrieb Werke für zeitgenössische Jazz- und Weltmusikensembles, ein Requiem sowie zahlreiche Film- und Dokumentarfilm-musiken. Für seine Arrangements von Werken von George Gershwin und Kurt Weill erhielt er den Jazz Award der IFPI. Einen weiteren Schwerpunkt bilden seine Solo-Piano-Arbeiten. Eine besondere Bedeutung in seinem künstlerischen Schaffen hat die seit den frühen 1990er-Jahren bestehende bis heute andauernde Zusammenarbeit mit Zülfü Livaneli. Henning Schmiedts Arbeit steht für eine grenzüberschreitende, offene Musiksprache, in der sich unterschiedliche kulturelle Traditionen, Improvisation und Komposition begegnen.

Giacomo Tagliavia ist ein sizilianischer Bassist und Komponist mit Sitz in Berlin. Verwurzelt in Jazz und klassischer Musik bewegt sich seine Arbeit in einem breiten stilistischen Spektrum, das unter anderem Rock, R&B, elektronische Musik und Afrobeat umfasst und mit dem er in vielfältigen musikalischen Kontexten auftritt.
Im Jahr 2014 wurde Giacomo in das Italian Dictionary of Jazz aufgenommen, herausgegeben vom Musikjournalisten Flavio Caprera. Mit einem starken Fokus auf rhythmischer Tiefe und melodischer Entwicklung ist sein Spiel sowohl vom traditionellen als auch dem zeitgenössischen europäischen Jazz beeinflusst.
Giacomo ist Absolvent des City College of New York sowie des renommierten Global Jazz Institute am Berklee College of Music. Geprägt von der reichen kulturellen Geschichte Siziliens widmet sich seine aktuelle künstlerische und kompositorische Arbeit der Erforschung dieses musikalischen Schmelztiegels und verbindet traditionelle sizilianische Elemente mit Einflüssen aus Jazz und klassischer Musik.