„Preist den Herrn mit der Zither; spielt Ihm auf der zehnsaitigen Harfe! Singt Ihm ein neues Lied; spielt schön auf den Saiten mit Jubelschall" (Psalm 33,2-3)

Die Harfe ist nicht nur ein Augen- und natürlich Ohrenschmaus, zudem rankt sich ein bunter Strauß von Legenden um das vermutlich älteste Zupfinstrument der Welt. Der Entstehungsmythos – wobei seinerzeit Lyra, Leier und Harfe nicht klar unterschieden wurden und die Instrumente wesentlich kleiner waren als heute, wie Abbildungen zeigen – entführt in die griechische Antike. Während in der Bibel die Rede von König David ist, der mit der wundermächtigen Harfe böse Geister vertrieb, ging es im alten Griechenland wesentlich handfester zu: Der jugendlich-verwegene Gott Hermes stahl seinem Halbbruder Apollon – nicht zuletzt auch Gott der Künste – eine Kuhherde. Aus einem am Weg gefundenen Schildkrötenpanzer und den darüber gespannten Därmen einer geschlachteten Kuh soll er die Lyra – eine kleine Harfe – erfunden haben. Und mit deren süßem Klang gelang es ihm, den erzürnten Apollon zu besänftigen. Beide einigten sich und tauschten friedlich Instrument gegen Tiere. Aber damit nicht genug – hier kommt der sagenhafte Sänger Orpheus ins Spiel: Apollon schenkte ihm diese kleine Harfe, viele Abbildungen zeigen ihn mit dem Zupfinstrument, das zweifellos die betörende Wirkung seines Singens noch unwiderstehlicher gemacht hat …

John Dowland, der etwa einhundertfünfzig Jahre vor Händel in London wirkte, war Komponist und Lautenist, der im Dienst verschiedener Herrscherhäuser stand. Erst 1612 gelang es ihm im dritten Anlauf und nach Anstellungen am deutschen und dänischen Hof, in London als „Musician for the lute“ bestallt zu werden.

Neben seinen vier Liederbüchern schrieb er anspruchsvolle reine Instrumentalmusik für Laute allein und für Gambenconsort mit Begleitung der Laute. Auch sein heute wohl bekanntestes Lied „Flow my tears“ entstand 1596 zuerst als rein instrumentale „Lachrimae Pavan“. Vermutlich hat Dowland den Text selbst geschrieben, der in seiner schwelgerischen Traurigkeit ganz dem elisabethanischen Zeitgeist entsprach: „Fließt, meine Tränen, strömt aus euren Quellen, für immer verbannt: lasst mich trauern; wo die Nachtigall ihr düsteres Lied singt, dort lasst mich einsam sein.“

Schon am 1. April 1747 wurde ebenfalls im Theatre Royal das Oratorium „Judas Maccabaeus“ HWV 63 sehr erfolgreich aus der Taufe gehoben. Um die Wirkung noch zu steigern, fügte Händel Zugnummern aus anderen seiner Werke hinzu, so 1750 auch den Chor „See the conq’ring hero comes“ aus dem Oratorium „Joshua“. Heute erklingt er in einer Bearbeitung des französischen Organisten und Komponisten Alexandre Guilmant, ursprünglich für sein Instrument geschrieben und Teil 16 der insgesamt 18 Stücke op. 90 von 1904.

Der triumphale Chor klingt für deutsche Ohren nach dem Weihnachtslied „Tochter Zion“, umgedichtet von Friedrich Heinrich Ranke, Philosoph und Theologe. Für Engländer ist es liebgewordenes royales Kulturgut und fester Bestandteil der „Last night of the proms“, seit der Gründer der Promenadenkonzerte Henry Wood es in seine „Fantasia on British Sea Songs" aufgenommen hatte. Das geistliche Oratorium entstand kurz nach dem zweiten Jakobitenaufstand 1745, aus dem die englischen Herrscher siegreich hervorgingen. Und Händel verlegte die aktuellen Schlachten und Siege in die Zeit des Alten Testaments, zum Volk Israels und den Kampf von Judas Maccabäus.

Der Komponist aus Halle war weltgewandt und kosmopolitisch. Bevor er sich 1713 als freier Opernkomponist endgültig in London niederließ und so etwas wie der englische Nationalkomponist wurde, hatte er in Hamburg und Venedig mit seinen Bühnenwerken reüssiert. 1727 bekam er die britische Staatsbürgerschaft verliehen.

In London, Zentrum der aufstrebenden Weltmacht, ebenso Musikmetropole und Wiege des bürgerlichen Konzertlebens, fand Händel zu sich selbst: Er reformierte die italienische Opera seria. Ging es in der standardisierten Barockoper vor allem um das virtuose Wetteifern der hochbezahlten Kastraten und Primadonnen, so schuf Händel ergreifende Melodien und berührende Seelenbilder, die das Publikum packten, ohne die gelenkigen Kehlen zu unterfordern. Und er entwickelte das englische Oratorium.

Boïeldieu wurde wegen seines Kompositionsstils hochachtungsvoll „französischer

Mozart“ genannt – damit ist es leicht, den Bogen von Paris nach Sankt Petersburg zu schlagen, wo Pjotr Tschaikowskys Serenade für Streicher op. 48 am 30. Oktober 1881 uraufgeführt wurde, denn sie entstand aus seiner tiefen Liebe zu Mozart. Der Melancholiker Tschaikowsky zeigt hier eine sonnige, glückliche Seite. 1880 hatte er sich auf das Gut der Schwester in Kamenka zurückgezogen – und zur geistigen Erholung und Stärkung Partituren Mozarts studiert. Er kam voll auf seine Kosten: „Wie freue ich mich, dass Mozart seinen Reiz auf mich nicht im Mindesten eingebüßt hat“, heißt es an die Gönnerin und Freundin Nadeshda von Meck. Er schwärmte weiter von der „unvergleichlichen Freude, die ich empfinde, wenn ich mich in seine Musik vertiefe“, sie liebkose und beruhige ihn. Und es gipfelt in der Feststellung: „Wissen Sie, dass ich mich jünger und munterer, beinah als Jüngling fühle, wenn ich Mozart spiele!“

Die viersätzige Serenade sollte seiner „Mozart-Verehrung Tribut zollen“, ohne dass er sich selbst verleugnete. „Die Serenade habe ich aus innerem Antrieb komponiert. Sie ist vom Gefühl erwärmt und, wie ich hoffe, nicht ohne künstlerische Vorzüge ...“

Die Uraufführung war ein Triumph für den Komponisten, bei der der walzerselige zweite Satz sogar da capo verlangt wurde. Nachdem die Streicherserenade 1892 ihre Wiener Premiere erlebt hatte, lobte Eduard Hanslick vor allem die Instrumentierung: „Tschaikowsky hat so viel Abwechslung in den Klang zu bringen gewusst, als bei dem Ausschluss aller Blasinstrumente überhaupt zu erreichen ist.“ Und Tschaikowsky ließ keinen Zweifel an seiner Vorstellung, wie ein Eintrag in der Originalpartitur beweist: „Je zahlreicher das Streichorchester desto mehr wird es den Wünschen des Componisten entsprechen.“

Die Mozart-Hommage des Kopfsatzes in Form einer Sonatine nimmt dessen frühklassischen Stil sehr frei zum Vorbild, wobei der elegische Beginn am Schluss der Serenade wieder aufgegriffen wird und den Bogen zurückschlägt. Auf den beschwingt-schwelgerischen Walzer, der auch abseits der Serenade oft erklingt, folgt eine dreiteilige Elegie inklusive gezupfter Pizzicato-Passagen. Im Finale dann wird es russisch und Tschaikowsky zitiert zwei Volkslieder. Hanslick hörte hier einen „derben russischen Bauerntanz“ und Motorik, die sich „in atemversetzendem Wirbel herumdreht“.

Violine I

Daniel Dodds (Leitung); Yuta Takase (Stellvertretender Konzertmeister); Thomas Schrott; Yana Gottheil; Miriam Müller; Aronghua Griffiths

Violine II

Daniel Meller (Stimmführer); Reiko Koi; Izabela Iwanowska; Jonas Moosmann; Daniel Frankenberg

Viola

Katrin Burger (Stimmführerin); Marlène Züsli-Spahr; Chin-Ting Huang; Mira Maranta

Violoncello

Alexander Kionke (Stimmführer); Regula Maurer; Anne-Christine Vandewalle

Kontrabass

Stephan Werner (Stimmführer); Csaba Dimen

Oboen

Hernando Escobar; Marianne Mittenzwey

Fagott

Michaela Špačková

Cembalo

Martin Zimmermann

Daniel Dodds ist seit 2012 künstlerischer Leiter der Festival Strings Lucerne, nachdem er bereits seit 2000 Erster Konzertmeister des Ensembles war. Er trat als Solist unter Dirigenten und Dirigentinnen wie Zubin Mehta, Vladimir Ashkenazy oder Oksana Lyniv auf und arbeitete dabei mit Orchestern wie dem Luzerner Sinfonieorchester, dem Orchestra della Svizzera Italiana, dem Melbourne Symphony Orchestra und dem Australian World Orchestra zusammen. Daniel Dodds studierte bei Gunars Larsens und bei Keiko Wataya und besuchte Meisterkurse bei Rudolf Baumgartner, Franco Gulli und Nathan Milstein. Neben seinen Auftritten als Solist und künstlerischer Leiter der Festival Strings Lucerne, als Konzertmeister des Australian World Orchestra oder als Gastkonzertmeister bei Orchestern wie dem Mahler Chamber Orchestra oder der Camerata Salzburg unterrichtet Daniel Dodds an der Luzerner Musikhochschule. Er spielt die Stradivari „Hammerle-Baumgartner“ (1717), die ihm von der Stiftung Festival Strings Lucerne zur Verfügung gestellt wird.

hat als leidenschaftlicher Verfechter seines Instruments das Harfenrepertoire erweitert und bei Komponisten neue Werke in Auftrag gegeben sowie eigene Transkriptionen erstellt. Die aktuelle Saison steht im Zeichen der Veröffentlichung seines Händel-Albums mit den Festival Strings Lucerne bei Sony Classical, gefolgt von Auftritten unter anderem in Hamburg, Berlin, Köln, Frankfurt und Linz, Auftritten mit dem Budapest Festival Orchestra und dem Yomiuri Nippon Symphony Orchestra, einem Carte-Blanche Projekt mit Rolando Villazón, Lucero Tena und Magali Mosnier, einem Konzert im Rahmen der Mozartwoche Salzburg und Rezitalprogrammen.

Xavier de Maistre konzertiert regelmäßig als Gastsolist mit Orchestern auf der ganzen Welt und arbeitet dabei mit Dirigentinnen und Dirigenten wie Sir André Previn, Sir Simon Rattle, Riccardo Muti, Daniele Gatti, Philippe Jordan, Bertrand de Billy, Andrés Orozco-Estrada, Daniel Harding, Susanna Mälkki und Mirga Gražinytė-Tyla zusammen. Er ist Gast bei vielen Festivals und zählt zu seinen künstlerischen Partnerinnen und Partnern unter anderem Diana Damrau, Arabella Steinbacher, Daniel Müller-Schott, Baiba Skride, Antoine Tamestit, Mojca Erdmann und Magali Mosnier. Seit 2008 ist Xavier de Maistre Exklusivkünstler bei Sony Music, sein letztes Album hier (2022) enthält das Harfenkonzert von Reinhold Glière und das vergessene Konzert von Alexander Mosolov, begleitet vom WDR Sinfonieorchester Köln unter der Leitung von Nathalie Stutzmann.

Der in Toulon geborene de Maistre studierte Harfe am dortigen Konservatorium bei Vassilia Briano, bei Catherine Michel und Jacqueline Borot in Paris sowie in Sciences-Po Paris und anschließend an der London School of Economics. 1998 erhielt er den Ersten Preis (und zwei Interpretationspreise) beim Internationalen Harfenwettbewerb der USA (Bloomington) und wurde im selben Jahr als erster französischer Musiker bei den Wiener Philharmonikern aufgenommen. Seit 2001 unterrichtet er an der Musikhochschule in Hamburg. Er spielt auf einem Instrument von Lyon & Healy.